3 Le cover-artist

Adam Hugues ressort quelque peu essoré de ce long run. Produire 22 pages par mois et la couverture demande une grande productivité, certains l’ont et s’adaptent très bien (citons John Byrne) mais d’autres ne s’y feront jamais (Travis Charest, Brian Bolland, Arthur Adams). Même si tous y sont passés pour leurs débuts, certains rechignent à s’y frotter de nouveau, et Adam Hugues sera de ceux-là ! Il commencera un autre job connexe aux comics : les couvertures ! Il s’agit là d’une rémunération fort intéressante qui permet de donner à une série une identité graphique, mais aussi un repère autre que le contenu. Ainsi, Wonder Woman sera longtemps identifiée, durant la dernière partie de son volume 2, aux prouesses graphiques de Adam Hugues. Pour la petite histoire, Mark Chiarello vient le consulter après le run de John Byrne en lui demandant, éventuellement, si il pouvait faire le cover artist. Adam répondit que oui, ça l’intéressait. Or cette aventure dura 4 ans et demeure une référence graphique à  propos de Wonder Woman.

Même si celles-ci sont indépendantes des histoires, pour causes d’inepties éditoriales, elles nourrissent amplement la notoriété du titre. Mais il y a de nombreuses autres covers produite par Adam, citons Ghost chez Dark Horse (où il aura  dessiné l’intérieur) qui demeure un jalon dans sa carrière, puis Lara Croft dans sa série liscenciée à Top Cow (démarrage en trombe, fin passée inaperçue ce qui est typique de ce studio). Ainsi, il travaille de manière ponctuelle ou parcimonieuse pour quasiment tous les éditeurs (Harris, Dark horse, Wildstorm, Dc, Marvel, Top Cow ). Adam Hugues a quand même dessiné un segment du crossover Wildcats/X-men. Cette rare prestation graphique ne fait pas pâle figure para rapport aux autres talents de cette aventure éditoriale(Travis Charest ou encore Jim Lee). Il demeure très coté, et il se spécialise en femmes puisqu’il est éblouissant pour les montrer sous leurs meilleurs atours. De son propre aveu, il sait faire autre chose, mais on lui demande régulièrement ce type de travail. Mais, il a d’autres atouts, comme celle d’offrir une identité à une collection. Ainsi, quand Stan Lee participe à un événement (ce qu’il réussit le mieux), pardon, à une ligne de comics nommée Stan Lee‘s just imagine, Adam Hugues fait des merveilles avec les couvertures qui donnent un ton, une emprunte reconnaissable parmi mille, la cerise cuivrée sur un gâteau, en quelque sorte. Mais notons quand même que Adam Hugues fait parti du studio gajin basée à Atlanta, ce studio de dessinateurs artistes regroupe des talents émérites qui ont donné de belles prouesses visuelles aux comics. Brian Stelfreeze, Cully Hammer, Mike Wieringo, Karl Story, Dave Johnson, parmi tant d’autres ont tous participé à ce studio ou y sont encore. L’avantage permet d’intégrer les nouveaux venus, leur donner du travail (décor, assistanat) pour apprendre et trouver leurs marques puis de les proposer à l’industrie grâce aux contacts des plus connus.  Adam Hugues y restera de 1991 à 2004.

4 L’évolution de son art

Adam Hugues est un artiste qui se caractérise par son talent mais aussi par l’évolution de celui-ci. Ainsi sa première période s’apparente à un style « cartoonesque » proche de Alan Davis. Cette appréciation concerne essentiellement les essais du début de sa carrière mais surtout Maze Agency. Ce style demeure très agréable, puissant et adapté aussi bien pour retranscrire les situations comiques que les ambiances.

La seconde période vient vite, puisqu’elle concerne la période Jli de Giffen. Il expérimente un nouveau style, plus pure privilégiant les formes et les contours ce qui permet de donner une force et une puissance aux personnages. Il s’agit d’un échelon intéressant pour qui aime voir les progrès d’un artiste.

Sa troisième période demeure liée à Ghost, sensiblement en 1993 lorsque Dark Horse se lance dans un été super-héros (le marché est en explosion) et il se spécialise dans les contours gracieux et les formes capiteuses. Là encore, il s’agit indéniablement d’une réussite, il apure son style et use à bon escient de la ligne claire. Mais il demeure encore dans le voisinage d’un   Terry Dodson (il y a quand même une relative proximité) et le meilleur reste à venir.

Ainsi la quatrième phase demeure le photoshop. Adam Hugues tire parti de toutes les ressources de ce logiciel et, si vous regardez attentivement ses derniers travaux, il le manie si bien qu’il se contente de faire des crayonnés succincts, pour laisser une place majeure à la colorisation qui remplace l’encrage, donne les volumes voulus, mais se substitue pas mal au pinceau. Il est amusant de constater que Adam Hugues a réussi une prouesse : les artistes dessinent au crayon à bois et leurs encreurs peuvent annihiler le volume, la dimension et l’ampleur de l’œuvre. Le conflit dessinateurs/encreurs demeure sensible et une source de tension pour tout dessinateur scrupuleux. Or, Adam Hugues a résolu ce problème tout seul en exécutant une immense partie du travail par ordinateur. Il ne réalise que des layouts sommaires et il complète le reste grâce à l’aplat des couleurs sur Photoshop. Un artiste en avance sur son temps !

Artiste de la trempe d’un Brian Bolland (dont le style n’évolue plus, si ce n’est sur le signifiant de ses œuvres), ou encore d’un Arthur Adams ou Dave Stevens, vous ne verrez que peu d’Adam Hugues. Il a été annoncé pour All Star Wonder Woman mais il s’est désisté pour le cinéma. Il participe en qualité de designer pour l’adaptation de Watchmen ! Il est à noter qu’il avait déjà occupé le même rôle dans Malrats (les glandeurs en français), d’une autre pointure des comics nommée Kevin Smith. Il demeure incontestablement un des grandes artistes de l’industrie qui ont un pouvoir non seulement de séduction, mais aussi de fascination sur le lectorat. Mais il a surtout mis au point une méthode révolutionnaire qui pourrait permettre de se passer d’encreurs (donc, un pan entier de l’industrie). Pour ma part, je lui trouve deux héritiers naturels en la personne de Daniel Acuna  et Terry Dodson. Chacun des deux semble exceller soit dans les formes claires ou alors dans la peinture, mais je parie qu’Adam Hugues nous surprendra encore en faisant évoluer son art.

Dossier publié orignellement sur France Comics !

Il s'agit donc d'une rediffusion !

Adam Hugues est un grand du comics book, quand il se donne la peine de bien vouloir nous proposer quelque productions ! Les nouveaux venus dans les comics ont peut-être admiré certaines de ces couvertures, car sa production assez récente ne comporte que des covers, mais il convient quand même de retracer sa carrière qui recèle quelques bons moments !

1 Les débuts.

Je risque de faire du mal à certains dessinateurs en herbe qui tâtent du crayon, mais Adam Hugues a ce qu’on appelle un talent inné. Né en 1967 dans le New Jersey dans la ville de Florence, il s’est exercé au dessin durant son adolescence avec une certaine  facilité. Un de ses passe temps consistait à redessiner les comics, dont ceux de son idole, Jack Kirby. Son premier contact marquant avec les comics se produisit grâce à ses cousins. Il demeure donc influencer par les stars de son époque, Kirby, John Byrne et plus tard, Dave Stevens (on peut même considérer une parenté dans le style). Un petit point sue Dave Stevens qui nous a récemment quitté : il s’agit d’un artiste lent, appliqué qui excelle dans la représentation des femmes et d’un rendu abouti. Il possède une certaine ligne claire qu’a eu en son temps John Byrne. Les contours des personnages sont surlignés et l’anatomie demeure gracieuse. Si bien que, contrairement à d’autres, il n’a pas suivi la voie normale qui consiste à passer par une école de dessin afin de parfaire ses dons et d’apprendre la technique indispensable. Aussi, à l’âge de 21 ans, il commence professionnellement son premier travail notable, Maze Agency. Il s’agit de l’œuvre que porte un excellent scénariste qui a plutôt travaillé chez Dc, Mike.W Barr. Barr est un solide scénariste qui a livré de fort bons travaux chez Dc, citons quelques Batman & les Outisders (1^ère version puisque un second volume est en cours de publication chez Dc), mais surtout Batman, year 2 avec Todd MacFarlaine et Alan Davis. Mike W.Barr livre des histoires policières, c’est le genre dans lequel il excelle et, même s’il décline ce genre dans l’univers des comics, il demeure fort capable dans la caractérisation et le suspens.

Son bébé se nomme donc Maze Agency, il raconte les péripéties de deux détectives, une femme blonde et un homme au physique normal, qui forment un dynamic duo et attachant (un peu comme la série Clair de lune). Cette série ne fut pas un grand succès, en comparaison

des best-seller de Marvel et de Dc, mais elle a satisfait beaucoup de lecteurs qui se sont attachés au ton de la série. Justement, Adam Hugues a fait beaucoup pour le style de la série et sa réussite, il parvient fort bien à rendre attachant une séquence ou encore à restituer une atmosphère oppressante. Dans ses interviews passées, Adam Hugues a déclaré qu’il gardé un bon souvenir de cette série, voire de la collaboration tout court. Mais il est important pour un artiste de « percer » chez les deux grands, afin d’avoir une lisibilité et une notoriété. Ainsi, Dc le remarque et lui propose de rejoindre la Justice League International.

2 La période mensuelle.

La Justice League de cette époque (1989_1991) nous demeure inédite et relativement inconnue en France. Mais elle a fait le bonheur des lecteurs de v.o qui gardent toujours de bons souvenirs de cette mouture de la Jla. Aussi un petit retour s’impose sur cette belle épopée des comics. Crisis on infinite earth a été un événement sans précédent, il a rebâti l’univers Dc, frappé d’incohérence et abscons pour les nouveaux lecteurs. Mais il a surtout proposé une aventure formidablement épique, avec une très grande caractérisation des personnages et un sens du rebondissement sans précédent. A l’issue de Crisis, une nouvelle vague créative est montée chez Dc et, à l’issue du crossover suivant nommé Legends, on reforma une Jla, dont la dern_ère version sombrait dans une réelle médiocrité. Aussi une « brand new »   mouture apparaît avec Captain Marvel, Blue Beetle, Black Canary, Docteur Fate, Batman et  Guy Gardner. Il ne s’agit pas seulement d’une nouvelle équipe, il s’agit d’une nouvelle approche du genre super-héros : ceux-ci sauvent la terre, certes, mais ils ont bien du mal a fonctionné en équipe !

Tous les personnages y gagnent en humour et en caractérisation, et l’architecte de cette œuvre majeure, Keith Giffen, a tenu pendant 5 ans la cohérence scénaristique de l’équipe (un record pour DC, mais Chris Claremont officie sur une équipe que vous connaissez sûrement).

Le premier grand dessinateur se nomme Kevin Macguire, il excelle dans les expressions humaines et il marquera la série de son empreinte. Mais après plus de deux ans, il va poursuivre sa carrière ailleurs. Alors, après des artistes « fill-in », Adam Hugues va être le second artiste majeur à marquer de son talent cette équipe. Il officie par un run à partir du numéro 31 jusqu’au no 51. Mais ce run va connaître de nombreuses pauses, comme MacGuire. Il va quand même participer à la popularité de personnages ou d’arcs bien frappadingues, comme la parodie inspirée du Captain America, le Général Glory (un rien abruti et décalé), ou encore la mort de Mister Miracle, qui permet à la série de se recentrer sur les personnages avec leur premier mort. Adam Hugues va être remarqué, très remarqué, et il veut finir son run avec les honneurs en quittant la série au numéro 51 (le terme de l’ère Giffen sera le 60 après le retour de MacGuire pour clore l’ère). Sa prestation sera réussie, il est reconnu comme un grand artiste. Cette période sur un mensuel lui aura permis d’améliorer son style, mais celui-ci évolue encore.

1^ère partie

Roger Moore est l’idole de mes jeunes années, quand j’avais 8 ans. Les James Bond, ses James Bond, sont la première œuvre qui m’ait vraiment passionné. En outre, toute sa carrière me paraît passionnante, encore aujourd’hui.

Puisque Roger Moore vient de sortir ses mémoires, sous le titre Amicalement vôtre, il était temps de revenir sur ce grand acteur, si spirituel et distingué dont le parcours, la personnalité ainsi que son importance demeurent des plus intéressants.

Retour sur un grand du cinéma et de la télévision qui continuera d’enchanter des générations de cinéphiles.

Roger Moore naît en 1927. Il est le fils unique d’un policier londonien et d’une mère aimante.

Roger Moore s’essaye à divers chose mais il désire alors tenter sa chance en qualité de dessinateur. Il est en effet engagé dans un studio ou il est « va donc ». En plus de son travail, il doit effectuer les tâches pénibles et ingrates d’assistant : le thé, aller chercher telle ou telle chose… Un matin, il oublie précisément d’effectuer une de ces courses et il est renvoyé !

Ayant du temps à perdre avant d’enchaîner sur un autre emploi, malgré l’espoir d’une carrière qui tourne court, il accompagne un ami à une audition. Là-bas, sur place, un directeur de casting le remarque, discute avec lui et lui offre quelque temps plus tard une bourse pour apprendre le métier de comédien !

Roger, alors jeune et confiant, se lance dans cette aventure qui lui tombe dessus de manière providentielle. Roger Moore, de nos jours, n’a jamais oublié ce mécène providentiel qui lui a filé un coup de main et il lui en témoigne toujours sa reconnaissance. Il s’agit d’un trait de caractère de la star qui en fait un homme remarquable, et ce ne sera pas le seul.

Roger Moore vivote, se reclasse au sortir de la guerre, se marie (une première fois) et arpente les durs chemins de la gloire qui consistent, pour le moment, à pourvoir le repas quotidien. Il divorce, alors que sa carrière demeure sinueuse. Puis, il  fréquente une chanteuse à voix qui deviendra sa seconde épouse. Elle l’emmène aux USA, il la suit.

Roger Moore deviendra une star MGM. Il jouera dans quelques films, en tant que second rôle, dans des productions de la firme au lion alors prestigieuse mais le contrat n’aboutit pas à une situation stable.

C’est au tour de la Warner de l’embaucher pour un contrat qui l’oblige à tourner ce qu’on lui propose. Il y aura beaucoup de productions, mais une se détache particulièrement : Ivanohé !

Bizarrement, cette série n’est pas britannique mais américaine.

Elle est cependant un hit mondial, aussi en France où elle s’impose comme le seul concurrent digne de Thierry la fronde. Ivanohé va durer 39 épisodes mais la série va surtout imposer Roger Moore en Angleterre. Une série américaine qui impose une star sur son sol natal alors qu’elle est tournée et produite dans un pays étranger, voilà qui est insolite.

Roger Moore tourna dans une autre série, The Alaskans, puis dans un autre film qui va, il le raconte avec humour, s’avérer prémonitoire pour la suite de sa carrière :

Gold of the seven saint.

Il y a dans ce titre une allusion à un futur film, Gold de Peter Hunt, puis seven pour 007 et enfin son prochain grand succès : The Saint !

En effet, Roger Moore avait déjà essayé d’acheter les droits de la série à succès de Leslie Chartelis, Le saint mais d’autres producteurs ont été plus rapides que lui. Heureusement, ces mêmes producteurs avaient des vues sur lui. Mais entre-temps, Roger Moore avait tourné une autre série télé, la troisième, nommée Maverick et il avait surtout tourné l’enlèvement de Sabine, un péplum de 1961 où il rencontra alors celle qui allait devenir la mère de ses trois enfants, Luisa. Roger Moore garde un mauvais souvenir de ce péplum où tout allait en dépit du bon sens. Les producteurs étaient  les Salkind, le futur de producteur de Superman. En 1978, le plus gros succès populaire fut en effet Superman qui sera suivi de…Moonraker !

Roger Moore revient en Angleterre. Il en a soupé des séries télé mais le Saint se présente à lui alors il hésite. Le succès sera tel, notamment grâce aux USA, qu’il ira au-delà des 3 premières saisons qui adapteront les nouvelles de Leslie Chartelis. Roger Moore raconte avec beaucoup d’humour, l’homme semble en déborder, que l’auteur du Saint n’avait heureusement pas de droit de regard sur les scénarii qu’il jugeait de toute façon faible et qu’il vilipendait copieusement !

Le Saint commençait toujours de même manière : un pré générique qui exposait une situation où des personnages, parfois le Saint racontait lui-même une anecdote et, invariablement, quelqu’un présentait qu’il s’agissait du Saint lui-même. Alors une belle auréole apparaissait sur la tête de notre héros qui la regardait d’ailleurs avec une certaine complicité.

Les histoires étaient toujours des plus intéressantes. Les trois premières saisons étaient sec et nerveuses. Certes le personnage du Saint était édulcoré mais les intrigues tournaient autour du crime. Le personnage de Simon Templar était lui-même douteux, la série n’y fera que des allusions. Les scénarii en revanche présentaient souvent une sous-intrigue intéressante qui révélait à la fin un traître.

Roger Moore, avec son humour habituel, racontait que Simon partait souvent avec l’héroïne de l’épisode, le nombre de beautés qui ont parcouru la série est hallucinant, pour l’emmener « dîner dans le meilleur restaurant de la ville. » Une façon élégante pour éluder le stade postérieur au restaurant !

La série dura 7 ans et 118 épisodes. Moore s’en accommoda (il raconte qu’il pouvait rentrer chez lui tous les soirs) et il s’investit alors en tant que producteur, il détient encore les droits du personnage, mais aussi en qualité de réalisateur !

Son épisode, fort bien mise en scène, raconte un savant fou qui a mis au point une fourmi…géante !

L’atmosphère de cet épisode est similaire au fameux autre épisode sur celui du monstre du Loch Ness, qui distille savamment le doute jusqu’au final sur la présence effective du monstre. Un épisode marquant et audacieux pour une série à destination des enfants !

Roger Moore se lasse de ces 7 années de série. Certes, il a la gloire et la fortune mais la cage, bien que dorée, s’avère trop petite.

Il va mettre un peu de temps à rebondir, mais la phase finale de sa carrière lui apportera une gloire mondiale. Il y aura cependant encore quelques petites marches à gravir qui le mèneront au célèbre personnage britannique effectivement lié au chiffre 7…

5  L’ère Bob Harras.

Les comics sont en pleine déconfiture, les titres étaient très nombreux mais la qualité était, elle, rare. Les ventes chutaient à un point tel qu’on se demandait si le média allait mourir.

Pour redresser la barre, et barrer d’urgence, les actionnaires misaient sur l ‘homme qui éditait la famille de série la plus lucrative qui avait toujours la côte : les X-Men.

Et ils s’attendirent à ce que Bob Harras fassent aussi bien en appliquant la même recette à l’ensemble des autres titres Marvel. Nous allons voir en détail la composition de la  dite recette, et franchement, elle est indigeste.

Tout d’abord, Bob Harras est l’homme de l’exploit, celui d’avoir déboulonné Chris Claremont de son poste après 16 ans passés sur les X-men. Non seulement Claremont a développé un univers incroyablement florissant, avec plein de personnages attachants, mais il a toujours répondu présent quand il fallait créer un nouveau titre X pour multiplier les achats des fans, et faire fructifier la franchise pour devenir à-elle seule le pivot de Marvel (on écrivit même qu’elle pouvait être aussi conséquente un temps que les ventes de DC !).

Mais Harras est directif et il personnifie l’éditeur qui est capable de rejeter un script sous prétexte qu’il ne correspond pas « aux attentes de la firme et à l’essence du personnage ».

Aussi il réécrit les scénarii de ses auteurs, en les modifiant sans prévenir, ce qui provoque des clashs. Ainsi Marvel perd sa seconde étoile majeure après Kirby (Stan Lee est toujours dans le circuit pour faire sa promotion) et on renouvelle la confiance à Harras.

Il occupe donc en 1995 le poste d’éditeur en chef et les pires catastrophes s’abattent sur les personnages de Marvel.

Tout d’abord, c’est le règne des auteurs/éditeurs où les histoires se font en interne, presque comme une famille consanguine. Les Jo Duffy, Howard Mackie, oTom De Falco, Danny F., Louise Simonson et Bob prirent les rennes pour donner leur vision des personnages. Si des éditeurs ou des gens issus de leurs rangs furent parfois bon, citons Anne Nocenti ou Claremont, Peter David ou encore Mark Waid, on allait lire dans cette période des sacrés catastrophes en terme d’inspiration et de créativité.

La pire est la saga des clones où cette pénible histoire allait durer sur deux années. Pire, le Spider-man que l’on connaissait n’était pas le bon mais le clone de l’ère Gerry Conway !

Idéal pour les vieux lecteurs qui gardaient jusqu'alors de bons et solides souvenirs et qui furent attachés affectivement à Spider-man pour apprendre que leur personnage est finalement bafoué.

Fantastique également pour les nouveaux lecteurs qui doivent assimiler de telles scories qui rendent métaphysique et alogique toute approche rationnelle de l’univers Marvel.

Le serpent se mord la queue et il approche de sa tête.

De plus, Stan Lee arrive et clame que finalement, une année dans la réalité correspond à six années dans le Marvel Universe ! Le coup de grâce !

C’est donc la pire des périodes Marvel où les décisions les plus folles sont prises comme le rachat de Malibu pour que les personnages de ce catalogue soient finalement mis de côté.

MarveL achète un réseau de distribution et oblige ses acheteurs à leur régler plus vite, c’est un naufrage pour les boutiques indépendantes (beaucoup vont mourir) et Marvel devra revenir sous le giron de Diamond qui devient l’unique distributeur de comics depuis lors !

 On est content des nouvelles numérotations des comics à 0, des heroes reborn avec ce nul de Rob Liefeld, puis le heroes return. Quand les personnages sont à ce point utilisés pour servir l’éditorial, ils perdent de leur substance et de leur aura auprès de leurs lecteurs qui se détournent, prennent leur distance, consultent les œuvres des auteurs plus matures ou même, jettent l’éponge !

On est loin du charme de l’ère Stan Lee avec des histoires denses et fraîches.

La fusion Marvel/Mac Do est totale et ma foi, Marvel occupe le terrain de l’événementiel.

Ce sera une des caractéristiques de Marvel, une communication d’enfer sur le tout nouveau projet à la mode qui se doit d’être super hot, prenons 1402 par exemple, et qui au final se révèle être moyen une fois le buzz passé, puis carrément dispensable une fois relu les années écoulées.

C’est à mon sens la méthode Marvel qui, pour un très bon Ultimate, survente des comics dispensables (Ultimate X-men, les FF hors M.Millar).

Pour revenir sur la période Harras, la firme tombe en banqueroute en 1996, et c’est très ironique. Personne ne sait quoi faire au juste, alors on confirme Bob aux manettes.

Et c’est reparti pour des histoires parfois dénuées de substances qui grève notre attachement aux histoires. Le renouvellement créatif de 1998 avec Heroes for Hire, Alpha Flight, Deadpool (celui-là connaît un bon début), Maverick, Kazar et autres joyeusetés est un échec sans appel. Quasiment aucun des ses titres ne survit, alors que Claremont revenu sur les X-men est plus proche de l’éditorial.

Il nous promettait alors du sensationnel et de nouvelles idées fraîches. 

On attend toujours !

Il n’en sera rien si ce n’est que quelques comics lisibles et variablement sympa mais pas comparables avec le DC post-Crisis. Il y a bien John Byrne qui s’amuse tout seul avec ses relaunch dispensables de Hulk (où il sabote l’origine en touchant aux fondations du mythe), Spider-man (tout le monde s’accorde à le trouver enfin lisible mais guère plus) et les premiers X-men dans la période manquante entre la première mouture et la seconde de Giant X-men (vive le vent nouveau !).

Bref, Marvel entame la côte d’amour de ses personnages auprès du cœur des lecteurs et beaucoup se lassent et peu de nouvelles troupes ne vient pour compenser. On en arrive à un tirage maximum de 100.000 exemplaires, ce qui est ridicule pour 300 millions d’américains !

Le vent frais et nouveau vient de Joe Quesada et ses Marvel Knight, un prestataire de service extérieur qui apporte enfin de la qualité sur Dardevil et les Inhumains.

L’aura est plus grande que le résultat lui-même, les autres titres seront passés sous silence critique, et il sera retenu en 2000 au poste d’éditeur en chef. Comme toujours Marvel clame là qu’une nouvelle ère de qualité va illuminer les comics ! J’en doute…

Pour conclure, Marvel est davantage une boîte où le média comics n’est plus qu’une partie de l’empire (un tiers, le plus négligé). Il rapporte moins que les licences et que le cinéma puisque Marvel devient un acteur à part entière.

La firme est naît de la créativité de quelques créateurs en pleine possession de leur moyen. Mais qu’en est-il désormais ? D’abord, depuis l’affaire Kirby, la firme a une sale réputation pour les créateurs : Kirby a été spolié, Len Wein ne touche rien sur Wolverine, Les royalties que touchent Claremont sont floues et les créateurs du Ghost Rider ont-ils été célébrés ? Rien n’est moins certain… Le dernier personnage majeur est Venom. Il faut remonter encore avant pour dénicher Elektra.

Qui ferait cadeau d’un personnage à potentiel à une firme qui ne vous reverserez que dalle alors que des producteurs prolixes en déclarations empochent des millions de dollars ? Ni vous, ni moi…

Les robots de Go Nagai, en tout cas de la famille de Mazinger, souffrent d’un petit dilemme intéressant en France : seul l’un des robots de cette tétralogie est connu en France, énormément, alors que les 3 autres sont quelques peu ignorés. Personnellement, j’ai toujours été intrigué par ces autres robots si particuliers dont les aventures furent superbement ignorés par les médias alors que le troisième, Goldorak, fut un phénomène de société.

Retour sur la Mazinga saga qui compte 4 membres et qui fut un raz-de-marée.

Le premier de tous est bien sûr Mazinger Z. IL s’agit d’un robot à qui on a greffé des armes pour lutter contre un savant démoniaque, le Dr Hell, qui aimerait bien asservir la terre afin de régler un problème freudien.

Il a trouvé sur une île des robots destinés à un peuple sous-terrain, les Myekenes, qui ont laissé quelques robots utilitaires. Le Dr Hell fait ce que nous aurions tous fait : il veut un contrat d’exploitation exclusif sur cette gamme high-tech mais il tue tous ses collègues, presque tous.

Le bon professeur Kabuto crée donc le Mazinger Z et il l’équipe d’armes. Son petit-fils, Koji/Alcor, a juste le temps d’être informé de l’existence du Mazinger Z que l’armée du Dr Hell attaque et qu’elle déploie ses robots. Le moins que l’on puisse dire, c’est qu’elle est bigarrée cette armée avec ces robots aux look extravagants, avec leurs armes et leurs personnifications si groovy. L’âme damnée du Dr Hell est le baron Ashura, mi-homme mi-femme, il est le premier des personnages si bizarres que créa Go Nagai, dont les robots ne constituent que le sommet de l’iceberg créatif dont il a accouché.

Mazinger Z et Koji vont donc se cogner pendant 96 épisodes l’armée du mauvais Dr, une durée très longue due à un record foudroyant au Japon, avant de passer la main à son successeur, Great Mazinger, la version 2.0 qui va lutter contre les Mykenes, réveillés et décidément peu sympathiques.

Great Mazinger dure pour sa part 54 épisodes. Le principe est bigger and better puisque le Great est mieux armé, plus puissant mais il aura besoin du Mazinger pour la bataille finale contre les Mykenes, le général noir et le Dr Hell qu’on avait un peu trop vite enterré. Le détail amusant des Mykenes est qu’il s’agit de robots dont des masques ou des visages sis sur leurs corps permettent de s'exprmier. On retrouve ce concept dans un très bon épisode de Cobra quand il se rend dans un village au milieu du désert attaqué par des armures dont les épées sont les vrais opposants.

Great Mazinger est un succès, au Japon puis dans l’Italie et en Espagne où il est culte. Pas en France où nous ne connaissons que son successeur, Grendizer.

Grendizer commence la semaine suivante de la fin de la diffusion de Great Mazinger. Sur la même chaîne, à la même heure, les petits japonais vont donc pouvoir voir la troisième génération de Mazinger. Ce Grendizer déroute tellement il renouvelle l’univers de la Mazinga saga. Il y a un nouvel héros, Duke Fleed, qui remise le plus fameux nommé Alcor dans un rôle de second ordre. Les ennemis sont nouveaux et on ne voit pas l’ombre d’un Mazinger, great ou Z alors qu’ils auraient pu être très efficaces ensemble.

Chacun a son avis sur Goldorak mais la série résiste très bien au temps et elle demeure d’excellente facture, meilleure que les deux premières. Succès moyen au Japon, Goldorak fut destiné à satisfaire une commande de Bandaï : vendre encore des jouets sur ce type de gamme mais il fut pour les enfants français un beau cadeau. Ce fut quelque chose de magique, une icône qui reste inégalée et un beau souvenir de l’enfance.

La France, pays dur à faire bouger, ne nous a inexplicablement pas diffusé Great Mazinger, alors qu’il aurait pu prendre la relève de Goldorak au pied levé.

Cela reste à mon sens une scorie.

Nous avons donc eu le droit à la gamme des Shogun Warrior en jouets, avec les getter robot g, une bande dessinée en 6 tomes de Mazinger Z et une diffusion d’une petite poignée d’épisodes bien plus tard, en 1990, quand le phénomène était bien éteint.

Ce qui m’étonne encore, c’est qu’aucune chaîne de Manga ne propose cette saga, pour se faire une idée précise… Mais bon, nous sommes en France !

En Italie, nos homologues ont eu quasiment toutes les séries à robot et elles furent très populaires. Mais après Goldorak, qui est son successeur ?

Bonus : Pour ceux qui ne la connaissent pas, le trailer de Mazinkaiser qui réunit les (très) nombreux robots de Goldorak.